miércoles, 30 de junio de 2021

QUEEN: THE GAME CUMPLE 41 AÑOS

 

The Game es el octavo álbum en estudio de Queen, lanzado el 30 de junio de 1980, fue el primer álbum de la banda que alcanzó la primera posición en los Estados Unidos, y el tercero que la alcanzó en Reino Unido. Si bien el álbum tuvo arreglos más simples que otros trabajos de Queen, The Game fue recibido con grandes elogios. Entre las canciones del álbum destacan "Another One Bites the Dust" escrita por John Deacon y "Crazy Little Thing Called Love" escrita por Freddie Mercury, que llegaron a ser éxitos del álbum junto a "Play the Game" y "Save Me". The Game fue el primer álbum de Queen en el que se utilizaron sintetizadores. Si bien no es citado en lista de mejores álbumes de la historia, es uno de los más vendidos de la banda.

Originariamente (mientras se realizaba el disco), el título era Play The Game, pero el baterista Roger Taylor expresó su inquietud acerca de sus posibles alusiones de conformidad, así que simplemente cambiaron el título a The Game.

Lado uno

"Play The Game"

"Play The Game" fue el tercer sencillo de la banda lanzado el 30 de mayo, un mes antes de la salida del LP. El sencillo en la que cuya cara B figuraba el tema de Roger "A Human Body" que no fue incluido en el álbum. Gracias a la ayuda del vídeo en la que Freddie apareció con su nuevo aspecto con pelo corto y bigote alcanzó la posición 14 de la lista de éxitos británicos. El vídeo promocional se rodó en los Trillion Studios de Londres, en mayo de 1980 en el que el director Brian Grant hizo un uso innovador de imágenes en reversa, de un efecto de agua para simular la furia del fuego y de la vaselina, algo que Queen ya había utilizado en otras ocasiones. Y una vez más, ahora en este vídeo, a Brian May se le ve tocando una Fender Stratocaster color fuego con cubierta blanca, sería el segundo vídeo clip en donde no usa su clásica Red Special. Se afirma que este video , en su inicio , muestra una estética espacial , debido a que Queen , a sugerencia de su discográfica , aprovechaba en él , de promocionar la película "Flash Gordon " ( 1980 ) , en la que esta banda participó componiendo la música de su banda sonora. De hecho , Mercury usa una polera con el logo del film y del personaje del cómic , propiamente tal.

"Dragon Attack"

Aunque está acreditada a Brian May como compositor, fue el resultado de una improvisación de los cuatro miembros. Brian encontró las partes interesantes y las editó todas juntas. Entonces, también compuso unos arreglos para guitarra pesada (heavy guitar), para hacer el sonido más completo, y añadió algunos sonidos adicionales de la banda. Es considerada la primera canción Funk metal, género que terminaría por desarrollarse años más tarde.

"Another One Bites The Dust"

Fue el cuarto y último sencillo de The Game escrita por John Deacon, basado en ritmos disco, llegó a un éxito mundial que nadie había previsto. Fue el sencillo con mayor repercusión de todo el álbum. "Another One Bites The Dust" les otorgó su segundo n.º 1 en ocho meses y sigue siendo su éxito más vendido en el mercado estadounidense. En Japón, se editó el mismo acoplamiento. Roger fue el principal detractor del tema, y Freddie lo defendía. No fue hasta que Michael Jackson lo sugirió después de asistir a un concierto de Queen que decidieron editarlo como sencillo

John Deacon toca la mayoría de instrumentos como el bajo, guitarra rítmica y piano. Roger incluyó una nueva batería Ludwig con pads electrónicos y Brian algunos efectos de sonido con la Red special y un eventide harmonizer. En la canción en ningún momento se utilizan sintetizadores si no alterando los instrumentos en el estudio de grabación.

El vídeo promocional fue rodado en el Runion Theater de Dallas, Texas, el 9 de agosto de 1980 que se hizo durante la extensa gira de cinco semanas de la banda por Norteamérica en la que también muestra a Freddie con su nuevo aspecto.

"Need Your Loving Tonight"

El siguiente tema es obra de John Deacon nuevamente. Muy influenciado por The Beatles, "Need Your Loving Tonight" se editó como sencillo en los Estados Unidos y alcanzó en n° 44 en noviembre de 1980. En vivo Freddie cantaba y tocaba el piano, Brian y Roger hacían los coros, tomando en cuenta que en el estudio los coros los hizo solamente Freddie y no se tocó piano.

"Crazy Little Thing Called Love"

Fue el primer sencillo del álbum The Game, un tema inspirado en el Rockabilly, compuesto por Freddie Mercury con la canción "We Will Rock You (Fast)" del álbum en directo Live Killers como Lado B. EMI lanzó el sencillo al mercado el 5 de octubre de 1979 y alcanzó el número 2 en las listas de Reino Unido. En Estados Unidos no fue editado hasta diciembre con "Spread Your Wings" también en su versión en directo de Live Killers como Lado B. El sencillo además fue número 1 en 5 países más.

Fue compuesta por Freddie Mercury mientras se daba un baño. Él mismo grabó la guitarra acústica en el estudio antes que la banda llegara y ejecutara las bases de la canción. Brian dijo que la ejecución de Freddie fue perfecta y únicamente se le agregó un solo de guitarra en la mitad de la canción, después del consejo de su productor Mack, más bien parodiando el sonido de televisión de su famosa guitarra "Red Special". Freddie tocó la guitarra en todas las versiones en vivo en las que se interpretó esta canción; esto constituyó el único momento en el que tocó otro instrumento que el piano o la pandereta.

El video promocional fue dirigido por Dennis De Vallance filmado en los Trillion Studios de Londres en la que Brian May aparece tocando una Fender Telecaster en vez de la mítica Red Special.

Lado dos

"Rock It (Prime Jive)"

Roger Taylor tuvo dificultades para aportar temas a The Game. Rock It (Prime Jive) fue generadora de disputas dentro de la banda. Se grabaron 2 versiones del tema, una cantada íntegramente por Freddie y otra grabada por Roger. La polémica vino al decidir cual de las 2 iría. Brian y Mack se inclinaban por la cantada por Freddie, mientras John y Roger por la de Roger. Finalmente se decidió que el intro sería de Freddie y el resto de la canción de Roger. En vivo es Freddie quien la canta.

"Don't Try Suicide"

"Don’t Try Suicide" es un tema de Freddie, sin sintetizadores, con un juego entre el bajo y la batería, y solos de Brian que rompen cada cierto rato la hegemonía del Sonic Volcano.

En un álbum posterior, Made in Heaven, hay una canción de cuatro segundos llamada "Yeah", la cual es un fragmento de "Don't Try Suicide".

"Sail Away Sweet Sister"

Grabada en las sesiones preliminares de 1979 junto a "Crazy Little Thing Called Love", "Save Me" y "Coming Soon", "Sail Away Sweet Sister" se sustenta en la delicada voz de Brian y en el bajo de John (que es un poco el instrumento principal en el disco y tiene un solo al cierre del track), con un desgarrador solo de guitarra, y Freddie cantando unas cuantas líneas.

"Coming Soon"

Roger tenía tres temas para este disco. Ya vimos el primero, "Rock It", el segundo estaba entre "A Human Body" y "Coming Soon". Quedó esta última quizás por estar musicalmente más cerca de los demás temas que A Human Body, que quedó guardada para que fuera el lado B de "Play The Game" por ser demasiado melódica para el resto del álbum.

"Save Me"

Fue escrita por Brian May, y fue el segundo sencillo de The Game. Se editó en enero de 1980, cuatro meses antes que el álbum, y en su cara B incluía la versión en directo de "Let Me Entertain You" extraída del álbum Live Killers. Esta balada alcanzó el puesto #11 de las listas de Reino Unido, nunca se llegó a editar en Estados Unidos, pero en Japón Elektra Records lo sacó en abril de 1980.

Para este sencillo se grabó el primer vídeo promocional de animación de Queen, en la que mezcla una actuación en directo con una animación. El vídeo fue filmado en el Alexandra Palace de Londres y dirigido por Keith McMillan, durante la gira de diciembre conocida como Crazy Tour

 

FUENTE: Wikipedia




DEL CAPORAL COMO PERSONAJE AL CAPORAL COMO DANZA

 Por: Miguel Angel Foronda Calle

Dentro de la nomenclatura del folklore boliviano muchas veces suele usarse, de manera indiferente, la palabra caporal. No obstante es importante hacer algunas precisiones que nos permitirán referirnos al tema de manera más adecuada.  Conversando con Jorge Godinez quien hace referencia al Origen de los Caporales en su libro “Oruro Catedral del Folklore de Bolivia” se puede concluir que es importante diferenciar entre Caporal como personaje y Caporal como Danza.

El Caporal en la Danza de la Morenada

El Caporal como personaje se encuentra presente en diversas danzas como es el caso de la Morenada, Negritos o Tundiquis y los Caporales. En todos estos casos se establecería un vínculo con danzas que harían referencia al proceso de esclavitud producido en la época colonial con relación a la población afro. En el caso de la morenada el personaje del Caporal es observado comandando la tropa de morenos portando látigo en mano siendo este el instrumento que utiliza para hacer trabajar a los morenos en actividades de la pisa de la uva, cabe apuntar que esta interpretación se vincula a la narrativa de la pisa de la Uva, sustento de la morenada en el Carnaval de Oruro (G.A.M.O, 2019). Por otro lado el Caporal es un personaje en la danza popularmente conocida como “Los negritos”, en este caso se trata del “elegido del patrón, que se convierte como verdugo de su mismo compañero.” (Llanque, 2015: 21).

El Caporal en la Danza de los Negritos o Tundiquis 

Teniendo claro al Caporal como personaje toca hacer referencia al Caporal como danza. Es así que esta danza sería una manifestación que fue creada en torno al personaje del mismo nombre y de manera más específica, como se puede inferir de la vestimenta, al caporal de “los negritos”. Todo apunta a que esta extracción del personaje para convertirlo en danza tuvo como protagonistas, entre otros, a los hermanos Estrada Pacheco quienes fundaron a finales de la década de los sesentas del siglo XX la “Fraternidad Urus del Gran Poder” (Gómez, 2019; Maidana, 2011). Teniendo claro este proceso de nacimiento, y otros que le siguieron, para mediados de la década de los setentas se fundan los Caporales Centralistas en el Carnaval de Oruro  siendo su antecedente el “Conjunto Folklórico Negritos Centralistas” (Godines, 1996: 66).

El Caporal en la Danza de los Caporales

A partir de esos hitos esta danza comenzó un proceso histórico a lo largo del cual fue definiendo sus propias características que son descritas en trabajos como los de Godinez (1996), Maidana (2011) y Gómez  y Pinto (2019), entre otros. A partir de estas líneas queda claro que la danza de los caporales tiene un proceso histórico que se explica a partir del contexto boliviano. Este proceso y adquisición de una identidad, particularmente con generaciones jóvenes, llevo a declarar a la danza del caporal como Patrimonio Cultural Inmaterial del Estado Plurinacional de Bolivia mediante la Ley Nº 137 de 14 de junio de 2011. 

 

Cotacto del autor: Lunangel.GC@gmail.com


Bibliografía

Godinez Quinteros, Jorge (1996). Oruro Catedral del Folklore de Bolivia. La Paz: LASER COMP

Gómez Silva, Napoleón; Pinto López, Ruben (2019). Caporales 100% Boliviano. Origen e Historia de los caporales. 2da. Ed. La Paz: Arte Punto Gráfico.

Llanque Ferrufino, Verónica (2015). Memoria negra en el Carnaval de Oruro. Estudio de caso del Conjunto negritos de Pagador y Conjunto Folklórico Negros de la Saya. En: Revista Historias de Oruro, Nº 29, Enero – Febrero 2015. Pp. 24.

Oruro, Gobierno Autónomo Municipal (2019). Memoria de la Danza de la Morenada.

Maidana, Freddy Luís (2011). La Danza de los Caporales. La Paz: Nexo Print. 

Oruro debe ser sede del Comité de Defensa del Patrimonio

 Los artistas y gestores culturales de Oruro se autoconvocaron para reclamar que se cambie la sede del Comité de Defensa del Patrimonio Cultural e Inmaterial Boliviano, que se instaló en La Paz, cuando es Oruro donde se desarrolla la Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad.

Carla Rojas Galleguillos, artista orureña refirió que ya es hora que Oruro se ponga de pie y reclame que se desconozca la importancia del departamento.

“Debemos ser regionalistas, porque ya basta que nos pisoteen, no solo en cultura, siempre nos han puesto al final de la fila, y creo que debemos actuar en conjunto, junto a nuestras autoridades para hacer una fuerza, y de una sola vez hacernos respetar como orureños”, señaló Rojas.

Sostuvo que la autoconvocatoria no sólo es para los artistas sino para todo aquel que se sienta mal por todo lo que nos están robando otros países, pero también otros departamentos, especialmente en lo que es nuestro Carnaval.

“Nuestro Carnaval y las 18 especialidades siempre han sido pisoteadas, empezando por otros departamentos, que tienen sus ballets que presentan las danzas con total distorsión y como orureños no hacemos nada, porque como ciudadanos de a pie no tenemos ni voz, por eso pedimos a las autoridades actúen”, expresó.

Asimismo, se refirió a la infraestructura del Teatro Palais Concert, del que se desconoce, dijo, su situación, pese a que hace años que se tenía un proyecto a diseño final desde la Gobernación, para su restauración, pero que hasta el momento no se ejecuta.

“Son varios temas que se deben tratar, y deben ser las autoridades que empiecen a actuar en ese sentido”, indicó la artista.

FUENTE: El Fulgor

La narración oral fortalece la cultura

Los festivales Apthapi Internacional de Cuentacuentos de La Paz, en su XVI versión, y el Festival Internacional de Cuentos en las Nubes de la ciudad de El Alto (V versión) unieron fuerzas para mantener la vigencia y dinamizar el sector cultural de la narración oral.

Martín Céspedes, coordinador de la Cueva de Cuentacuentos, explicó que la modalidad presencial del festival será del 24 de junio al 3 de julio, en una decena de espacios en el centro y barrios de la ciudad de La Paz y El Alto, como el Teatro de Cámara Norma Merlo, el Centro de la Revolución Cultural CRC, el Café AMTA, el Rincón de Mamá Julia (Alto Tejar), el proyecto Vida (Ventilla), la plaza 25 de Julio de Senkata, La Cueva de Cuentacuentos (Miraflores) y otros espacios.

“En tiempos de una crisis tan severa que afecta el encuentro humano, los lazos familiares, la salud mental y el desarrollo económico, el arte puede generar espacios que aporten a la reconstrucción personal y social”, dijo Céspedes.

El festival contará con la participación de ocho narradores locales en 15 funciones.

Destacados cuentistas participarán en el Apthapi Cultural, entre ellos están Guide Choquetanga, Janeth Cordero, Roberto Espinal de El Alto, María Isabel Estaca, Clarivel Loayza, Tincho Céspedes, Cecé Asturizaga y Valentina Rosales en representación de la ciudad de La Paz.

La modalidad virtual se desarrollará del 5 al 11 de julio, con la participación de 12 narradores orales de Potosí, Sucre y Santa Cruz. Las funciones se transmitirán por la página de Facebook del Centro de la Revolución Cultural y del colectivo la Cueva de Cuentacuentos.

Este año, el festival contará con el apoyo de la Fundación Cultural del Banco Central de Bolivia a través del Centro de la Revolución Cultural.

FUENTE: Ahora el Pueblo

Concurso literario premia seis obras que sensibilizan acerca del racismo

 Mauricio Murillo, miembro del jurado calificador, indicó que luego de una revisión detallada se eligieron los tres primeros lugares de cada categoría y se hizo además una selección de cuentos que, según los jurados, pueden ser publicados como finalistas.

El objetivo del evento, según la nota de prensa de la institución,  fue promover un mensaje reflexivo acerca de la necesidad de eliminar el racismo y la discriminación racial, para que todas las personas gocen de una vida plena en ejercicio de sus derechos y libertades.

Dentro de la primera categoría, el primer lugar lo obtuvo Ernesto Flores Meruvia, de Cochabamba, con el cuento Yo, Julio Tarqui; el segundo lugar corresponde a Sebastián Moscoso, de Sucre, con Fausto y el olvido; y el tercer puesto lo obtuvo Wara Moreno, de Cochabamba, con 33 variedades de papa.

En la segunda categoría, escritoras y escritores aficionados, el primer lugar fue para Marcio Aguilar de Tarija con el título Aprender a hablar. El segundo lugar corresponde a Mariana Villa de Sucre con Viaje a Chile. El tercer puesto le pertenece a Elvia Andia de Cochabamba, con Perfume de las manos.

“En los dos cuentos ganadores de cada categoría se valoró el manejo del lenguaje, la escritura, el estilo de los cuentos y la capacidad de instaurar una narración completa con recursos limitados por la extensión. Además se evaluó la pertinencia del relato acorde al objetivo del concurso”, mencionó Murillo.

En el caso de Yo, Julio Tarqui, el jurado destacó que en una sola página se desarrolló la historia del personaje principal y se puso en escena temas complejos y actuales sobre la temática del racismo en Bolivia. “La escritura precisa del relato genera imágenes contundentes en las que se desarrolla una narración ficcional que interpela a los lectores”, añadió el jurado.

Los cuentos ganadores del primer lugar en ambas categorías serán publicados y difundidos en todo el país. Además serán traducidos a tres idiomas nativos predominantes en Bolivia (aymara, quechua, guaraní) y al inglés.

El Banco Mundial prevé realizar otras actividades similares, con la misión de promover la inclusión.

FUENTE: Ahora el Pueblo

Magela Baudoin es reconocida con el premio Anna Seghers de Alemania

La escritora boliviana Magela Baudoin recibirá este año el Premio Anna Seghers que se entrega todos los años a quienes, con los recursos del arte, contribuyan a la creación de una sociedad más justa.

Baudoin, nacida en 1973 en Caracas pero de nacionalidad boliviana, es periodista, novelista y editora y en su obra se ocupa de cuestiones relacionadas con la búsqueda de la identidad.

Su propia editorial, Mantis Narrativa, está especializada en la publicación de obras de escritoras del mundo de habla española.

Entre las publicaciones más destacadas de Baudoin se incluye la colección de entrevistas a mujeres "Mujeres de Costado" (2010), la obra ganadora del XVI Premio Nacional de Novela, "El sonido de la H" (2014) y “La composición de la sal” (2014) , que fue galardonado con el Premio Hispanoamericano de Cuento Gabriel García Márquez y fue traducido a diversos idiomas, incluido el inglés, el portugués y el árabe.

Algunos de los autores latinoamericanos que recibieron este galardón en años pasados son: El argentino Hernán Ronsino (2020), la mexicana Fernanda Melchor (2019) y el boliviano Wilmer Urrelo (2012). El premio se entregará el próximo 19 de noviembre en la Akademie der Künste en Berlín, el mismo día en que se cumplen los 121 años del nacimiento de Anna Seghers, según detalla Página Siete. 

PREMIO ANNA SEGHERS

El premio se entregará el 19 de noviembre, el mismo día en que se cumplen los 121 años del nacimiento de Anna Seghers.

Su primer libro, "La rebelión de los pescadores de Santa Bárbara", fue publicado en 1928 y le valió el premio Heinrich von Kleist. El mismo año ingresó en el Partido Comunista.

Tras la llegada de los nazis al poder en 1933 sus libros fueron prohibidos en Alemania y fueron quemados públicamente. Tras una breve estadía en la cárcel Seghers huyó de Alemania a Francia a través de Suiza.

Tras la ocupación nazi de Francia Seghers y su familia huyeron a México, gracias a la ayuda del cónsul general mexicano Gilberto Bosques.

Después de la guerra Anna Seghers regresó a Alemania y se estableció en la extinta RDA donde vivió hasta su muerte ocurrida el 1 de julio de 1983.

FUENTE: Opinión

Entrevista a Abel Pintos: “Me siento privilegiado de poder contar con tanto amor”

Abel Pintos es sin duda uno de los artistas más populares de la escena musical argentina. Con 25 años de trayectoria grabó 12 álbumes, que obtuvieron importantes premios, discos de oro, múltiples discos de platino, y batió récords de ventas en cada concierto en vivo.

En febrero de 2021 dio a conocer la canción que le daría nombre a su próximo disco, “El amor en mi vida”. Este nuevo álbum, el décimo de estudio de su larga trayectoria, se lanzó a fines de mayo con la canción “De mí, contigo” junto a Camila.

Sobre este nuevo trabajo discográfico y otros temas, Pintos conversó con Los Tiempos a través de una videollamada, en la que también compartió un poco de su música cantando a capela. 

Acabas de lanzar un nuevo álbum que es considerado el disco más íntimo y personal. Cuéntanos sobre este trabajo.

Es un disco que empecé a trabajar en el año 2019, me llevó casi dos años completarlo y pensábamos editarlo en mayo del año pasado, cuando sobrevino la pandemia. Pero decidimos postergar el lanzamiento conmovido por todo lo que sucedía en el mundo y también muy movilizado por una situación íntima que estuve atravesando con mi familia. Esas dos cosas me movilizaron mucho y me llevaron a escribir muchas canciones. Entonces éstas se sumaron a aquellas canciones que todavía en 2019 seguía grabando desde casa y finalmente el 28 de mayo de 2021 dimos a conocer el álbum completo.

Se llama “El amor en mi vida” y habla exactamente de eso. De cómo el amor se representa en mi vida a través de mucha gente y de muchas cosas distintas cada día. 

Justamente una de las canciones que conforman este disco lleva el mismo nombre. ¿Por qué eliges ese título?

Claro, cuando escribí esa canción, “El amor en mi vida”, fue a raíz de hacer un trabajo de poner mucha atención a lo que pasaba cada día de mi vida y advertí que todos los días mucha gente, de muchas formas distintas, me transmiten mucho amor; comenzando por mi familia que está conmigo 24 horas y tenemos una relación muy amorosa al margen de amarnos mucho. 

Mi familia que estaba lejos, nuestra familia política también, estaban muy preocupados por saber que estuviéramos bien cada día y encontraban la forma de comunicarse con nosotros. Todos nuestros amigos también y el mismo público que cada vez que me conectaba en algunas sesiones en vivo para compartir las canciones, no sólo se unían para escucharme cantar, sino también para brindarme su apoyo, para preguntarme cómo estaba. 

Entonces, también de repente me encontré redescubriendo mi amor por la música. Durante cuatro meses estuve en mi casa haciendo música sólo por amor de hacer música y no por trabajar. Entonces, todo eso me hizo dar cuenta de que cada día hay mucho amor en mi vida. En un mundo tan extraño como el que estamos viviendo en estos tiempos me siento privilegiado de poder contar con tanto amor.

Además cuentas con la colaboración de varios artistas, ¿quiénes te acompañan en este álbum? 

Muchos artistas son parte de este disco como autores y como compositores, por ejemplo, Kany García y Tommy Torres de Puerto Rico; Cantero y Vanesa Martín de España. Pero también hay otros artistas colaborando en las canciones como el caso de la agrupación Camila, Yotuel de Cuba, Beatriz Luengo de España y Lali Esposito de Argentina.

Así es, con la salida del álbum estrenaste hace poco el videoclip de la canción “De mí, contigo” con la colaboración del grupo Camila y que ya cuenta con más de dos millones de reproducciones en YouTube. ¿Qué nos dices sobre este trabajo?

El videoclip lo llevamos adelante con la productora argentina Vrodas y trabajamos con la técnica audiovisual del croma. Todos los paisajes que se ven en el video son paisajes reales del norte de Argentina. La productora hizo un viaje de 20 días por las regiones del norte argentino para capturar imágenes de distintos paisajes. Es un trabajo muy bonito, yo grabé mi parte en la ciudad de Buenos Aires y Camila en la ciudad de Los Ángeles.

Justamente por la entrega en alma, vida y corazón que le das a la música obtuviste importantes reconocimientos y recientemente fuiste nominado a los Premios Gardel a la Música 2021 por “Piedra libre” como canción del año, ¿cuánto valor le das a los premios?, ¿qué significan para ti?

Bueno, los galardones son una anécdota, pero una anécdota muy reconfortante porque el verdadero premio para uno es el aplauso del público, sobre todo la atención del público y la oportunidad milagrosa de poder dedicar la vida a lo que uno ama. Luego vienen las nominaciones y los premios; que te digo es como una anécdota, deliciosa, porque me encanta estar nominado, me encanta ganar premios, es un momento muy emocionante. 

Es una forma como tangible del reconocimiento que a diario te hace sentir el público y tus colegas. Y en este caso en especial es una nominación muy emocionante para mí, porque “Piedra libre” es una canción que es la escribí por la llegada de mi hijo Agustín. Entonces, que esa canción haya sido elegida como una de las mejores canciones del año en Argentina, que es un país donde están miles de canciones a diario, es un privilegio enorme.

Sabes al escucharte es imposible no pensar en Mercedes Sosa o León Gieco, ¿podríamos decir que son tus influencias?

Sí. Mis influencias fundamentales en la música son, de hecho, Mercedes Sosa, León Gieco y sumo a Gustavo Cerati, entre los tres son los artistas que más me han influenciado musicalmente y también me han acompañado en casi todas las etapas de mi vida como contexto musical de distintas emociones.

Quieres escribir un libro, ¿cómo va ese proyecto?

Lento, pero cada paso es firme, pero muy lento porque se requiere mucho tiempo y mi actividad artística principal es la música. Mi razón de ser fundamental es mi familia a la que también le dedicó mucho tiempo de cada día y entonces este proyecto de escribir termina quedando sujeto a pequeños espacios que voy encontrando y que tienen que coincidir también con que las ideas y la inspiración se encuentren sincronizadas. Voy de a poco, pero muy bien, estoy contento con los resultados.

Hoy en día es inevitable no hablar del coronavirus, la pandemia golpeó absolutamente a todos. ¿Qué estuviste haciendo durante el confinamiento? ¿Cómo te afectó?

Bueno, son dos preguntas distintas. ¿Qué estuve haciendo? Fue un tiempo de mucha creatividad para mí, un tiempo de aprendizaje. Monté un pequeño estudio en mi casa y antes de empezar a trabajar tuve que aprender a utilizar ese estudio que había montado en casa. 

¿Cómo me afectó? De muchas maneras, para nada positivas. Fueron muchos meses de mucho miedo, de mucha incertidumbre, de dolor, de extrañar muchas cosas, mucha angustia. Para mí esto de la pandemia es un pasaje muy sombrío dentro de la historia de la humanidad.

Allá, en Argentina, las cosas están reiniciándose de a poco, ¿cómo va tu agenda ahora? ¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Ahora mismo se puede empezar a hacer conciertos con aforo reducido y con protocolos y eso seguramente se va a ir abriendo más a medida que la vacunación avance y los casos (de Covid-19) bajen y la situación esté un poco más controlada. De todos modos, hasta que eso suceda, yo tengo por lo menos dos o tres meses de trabajo y luego la semana que viene comenzamos los ensayos virtuales con la banda. Así que yo creo que para el mes de septiembre u octubre vamos a estar comenzando a dar conciertos en los lugares y bajo las circunstancias posibles. 


FUENTE: Los Tiempos




martes, 29 de junio de 2021

Feliz cumpleaños Ian Paice - Deep Purple

 Hoy celebramos el nacimiento de un baterista legendario, nos referimos a Ian Anderson Paice, que apareció en este planeta un 29 de junio 1948 en Nottingham, Inglaterra. Un baterista con una técnica influenciada por grandes como Buddy Rich y Gene Krupa, que podía ir de tocar furiosamente a tener momentos de delicada armonía jazzística.

La primera batería que recibió Paice fue a los 15 años ( una Gligster con brillantina roja ) para luego de un tiempo tener una batería Premier. Su primera banda, Georgie and the Rave Ons, tocaba alrededor de la ciudad de Oxford y a mediados de 1965 cambiaron su nombre ha The Shindigs. En 1966, la banda MI5, sufrió el abandono de su baterista y se le ofreció el puesto a Ian, la banda después de un tiempo cambió su nombre ha The Maze ( donde cantaba el que sería el primer vocalista de Deep Purple, Rod Evans ).
En Hamburgo, Paice había conocido al guitarrista Ritchie Blackmore, por lo cual este ya sabía de la existencia y de la calidad de Paice. Junto a Evans audicionaron para la banda que estaba formando Blackmore, Deep Purple. Ian Paice se iba a transformar en el único miembro del grupo que tocaría en todos los álbumes de la mítica banda.
En 1976, cuando Deep Purple se separó, Paice junto a Jon Lord y el cantante Tony Ashton formaron la banda Paice Ashton Lord, que lanzaron solo un disco, Malice un Wonderland. En 1979, Paice fue invitado por David Coverdale a tocar en Whitesnake, en donde estuvo alrededor de tres años.
En 1982, colaboró con el guitarrista irlandés Gary Moore con el cual tocó en el segundo disco solista de Moore llamado Corridors of Power, en el cuarto disco ( Victims of the Future )e igualmente fue parte de la banda en vivo de Gary. En 1984, Deep Purple volvió a reunirse con la famosa alineación de la Mark 2.
Ha participado en numerosas colaboraciones entre las que se cuentan con Velvet Underground, Keith Emerson, Jon Lord, Paul McCartney, Jim Capaldi y también ha grabado vídeos de instrucción en la batería.
Saludamos a Ian Paice en sus 73 años !!

FUENTE: La Comunidad del Vinilo



Sabina y Páez, entre los Premios Excelencia de los Latin Grammy

 

La Academia Latina de la Grabación reconocerá la trayectoria de Joaquín Sabina, Fito Páez, Martinho da Vila, Emmanuel, Sheila E. & Pete Escovedo, Milly Quezada y Gilberto Santa Rosa con el Premio a la Excelencia Musical de los Latin Grammy.


La institución detalló este jueves en un comunicado que los galardonados recibirán sus premios en una ceremonia privada que tendrá lugar el 17 de noviembre en Las Vegas (EEUU), un día antes de que se celebre en la ciudad del juego la 22º edición de los Latin Grammy.

"Es un gran honor brindarle reconocimiento a este notable grupo de artistas legendarios, pero a la vez muy activos, con el Premio a la Excelencia Musical", indicó el presidente y consejero delegado de la Academia Latina, Gabriel Abaroa Jr.

El máximo responsable de los Latin Grammy añadió que los "sobresalientes logros" de los homenajeados "han creado un legado en el mundo de la música latina que trasciende generaciones".

El premio a la Excelencia Musical se otorga a "intérpretes que durante su carrera han hecho contribuciones creativas de sobresaliente valor artístico a la música latina y sus comunidades".

En esta ocasión distinguirá al español Joaquín Sabina, el argentino Fito Páez, el brasileño Martinho da Vila, el mexicano Emmanuel, los estadounidenses Sheila E. & Pete Escovedo, la dominicana Milly Quezada y el puertorriqueño Gilberto Santa Rosa.

Además de estos reconocimientos, la Academia Latina anunció que el productor y compositor mexicano Guillermo "Memo" Acosta y el acordeonista colombiano Egidio Cuadrado recibirán el Premio del Consejo Directivo.

Esta distinción se entrega a "personas que han realizado aportes significativos a la música latina durante su carrera, pero no necesariamente en la forma de interpretaciones".

Al margen de los Premios a la Excelencia Musical y del Consejo Directivo, la Academia Latina desveló a comienzos de este mes que el legendario salsero Rubén Blades recibirá el premio Persona del Año 2021, la distinción honorífica más importante de los Latin Grammy.

El artista panameño será el protagonista de una gala especial, independiente de los Premios a la Excelencia Musical y del Consejo Directivo, que se celebrará el 17 de noviembre en Las Vegas en la víspera de la gran ceremonia de los Latin Grammy.

FUENTE: EFE

Boliviano Andreas Siles fue solista del maestro Dudamel

 La Orquesta del Encuentro del compositor venezolano Gustavo Dudamel inició su gira por España con un concierto el lunes en el Museo del Prado de Madrid y que tuvo como concertante (solista de la sección de violines primero) al joven boliviano-alemán de 22 años, Andreas Siles Mellinger.

Este nuevo proyecto de Dudamel reúne a casi 60 jóvenes de toda América Latina y España, entre ellos la boliviana violonchelista Estefanía Tezanos, quien estudia actualmente en la universidad Eafit de Medellín, Colombia. La velada se llevó a cabo en el salón de Las Meninas de Diego Velázquez, frente a la vicepresidenta primera del Gobierno español, Carmen Calvo; los ministros de Asuntos Exteriores, Arancha González Laya, y Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes, además de la secretaria general Iberoamericana, Rebeca Grynspan, y el alto comisionado español contra la Pobreza Infantil, Ernesto Gasco.

El joven grupo de músicos dará un concierto en Oviedo, el 25 de junio y dos en Canarias, 27 y 28 de junio, como invitados de honor al Festival Internacional de Música Clásica de Canarias. De manera paralela a las presentaciones, la orquesta recibe talleres y ensaya en Madrid con Dudamel y más de 20 primeros instrumentistas de las orquestas más importantes del mundo, como la Filarmónica de Viena y La Orquesta Sinfónica de Gotemburgo.

La boliviana Tezanos, que estudia el violonchelo desde niña, siguiendo los pasos de su madre, aseguró a la agencia EFE que cree "firmemente, que la música ayuda a que el mundo sea un lugar mejor porque al conectarse con nuestras almas nos inspira desde lo más profundo y motiva a crecer en todos los sentidos posibles".

La orquesta, efímera, hace parte del programa formativo y creativo que Dudamel bautiza como “Encuentros” y define como una celebración de “la armonía, la igualdad, la dignidad, la belleza y el respeto a través de la música".

Es un proyecto comprometido con Iberoamérica, de máximo compromiso social, liderado por la Fundación de Dudamel, y con el apoyo del Gobierno de España a través de la Secretaría de Estado de Cooperación Internacional y la AECID, el Alto Comisionado contra la pobreza infantil, la Secretaría General Iberoamericana, el Festival Internacional de Música Clásica de Canarias y el Ayuntamiento de Oviedo.

La Fundación ha reunido a estudiantes de México, Estados Unidos, Bolivia, Chile, Argentina, Venezuela, Colombia, Perú, Uruguay y Nicaragua, además de España y Portugal.

Para el músico canario, Pablo Araya, este encuentro con la Fundación está siendo una "experiencia inolvidable no solo por conocer al maestro sino por el encuentro en sí, que reúne a tanta gente, de tantos países", ha dicho a EFE. Una experiencia que agradece a los profesores.

FUENTE: Opinión/EFE

Último concierto de Miles Davis (1991)

Warner Music ha publicado este viernes "¡Merci Miles! Live At Vienne", el cual recoge por primera vez uno de los dos últimos conciertos grabados por Miles Davis en 1991 e incluye dos temas inéditos que compuso Prince, "Jailbait" y "Penetration".


Disponible en formato digital, como doble vinilo y como doble CD, se trata del directo que la leyenda del jazz realizó junto a Miles Davis Group el 1 de julio del citado año en el festival "Jazz á Vienne" en Francia.

Dada su gran relación con el país galo, en esos días se le entregó además la insignia de Caballero de su Legión de Honor bajo la vitola de ser el "Picasso del jazz" por su capacidad para unir este estilo con ideas clásicas y, posteriormente, con r&b, rock y funk.

Su fallecimiento solo unos meses después, concretamente el 28 de septiembre de 1991, hizo que aquel fuese uno de sus últimos conciertos y que durante el mismo pudiera repasar cinco décadas de carrera.

Fruto de su admiración mutua con Prince, entonces interpretó dos temas de la autoría de este, los mencionados "Jailbait" y "Penetration".

El álbum que se publica hoy presenta además notas escritas por la historiadora y periodista musical Ashley Kahn, junto con arte diseñado por Bruno Tilley. 

FUENTE: Opinión

Freddy Escobar expone ‘Bajo la primera ola’ en muestra virtual

El artista plástico cochabambino Freddy Escobar Vega expone su serie de 25 dibujos “Bajo la primera ola” en una muestra virtual que se realiza en la plataforma de la galería de arte Casa Toscana, disponible hasta el 20 de agosto. 

Las obras, realizadas con lápices de color sobre papel, fueron concebidas por Escobar durante el primer periodo de confinamiento a causa de la pandemia de la COVID-19. De acuerdo al texto curatorial de la exhibición, tienen la finalidad de “peraltar la sensualidad como parte del principio del placer en la sempiterna lucha contra los valores establecidos y su poder de censura y etiquetamiento, el quiebre o burla de la censura que el artista logra durante la historia de la ‘represión’ como praxis necesaria”.

A la muestra digital se puede acceder a través de un enlace disponible en la página de Facebook Casa Toscana – Art Gallery o en el siguiente enlace: https:// bit.ly/3joib2E. Escobar desarrolló gran parte de su carrera en Venezuela en la década de los 70s y 80s, llegando a ser director del Instituto Municipal de Cultura y Bellas Artes en Zulia. Regresó a Bolivia en 1992 y actualmente reside en La Paz.  Su obra plástica tiene entre sus principales logros murales en las ciudades de Ojeda, Cabimas y otros puntos en Venezuela. Sus primeras exposiciones datan de 1975, cuando ocupó una de las galerías de Cochabamba, de acuerdo al Diccionario Cultural Boliviano de Elías Blanco Mamani. “Escobar, comprometido con la problemática social y la equidad económica, no pinta ideas, sino existencia”, recalcan los organizadores de la exposición. 

25 filmes gratuitos y online en muestra indígena

 

La Muestra Cine+Video Indígena celebra 15 años de proyectar y difundir audiovisual que representa la identidad latinoamericana, conocimiento ancestral, protección y defensa de los territorios y el resguardo de las lenguas indígenas. Una itinerancia internacional festeja la organización ininterrumpida con 25 filmes de toda la región, gratuita, en línea y disponible para Bolivia, Colombia, Ecuador, México y Perú.

El programa estará disponible durante toda la semana, hasta el domingo 4 de julio. La programación completa puede encontrarse en la página del Museo de Arte Precolombino de Chile (organizador del encuentro): www.precolombino.cl, y las proyecciones se realizan en la plataforma: biblioquinoa.com /mucivi. 

Bolivia está representada a través de la actriz natural Jacinta Pinto y su nieta Indira Torrez, ambas migrantes de las que se cuenta su historia en el cortometraje argentino “La vendedora de lirios” (2019) de Igor Galuk. La cinta de no ficción muestra el trabajo de Jacinta recolectando flores en la costa del río que luego vende en el cementerio del pueblo de Magdalena. Sus labores cotidianas se ven dificultadas por los problemas raciales.

“Mamapara” (2020) es una coproducción boliviana-peruana del director Alberto Flores Vilca, quien narra la vida cotidiana de su madre, Honorata Vilca. Participó Miguel Pattzi de la boliviana Raccord Digital en la producción y la peruana Artesano Films. Fue estrenada en el prestigioso Festival Internacional de Cortometraje Clermont-Ferrand, en Francia, junto a 11 latinoamericanos de una programación de 161 cortos. 

Otras producciones destacadas son los documentales “500 años” (2017) de la guatemalteca Pamela Yates y la mexicana “Mover un río” (2015) de Alba Herrera. La primera relata la historia de la resistencia de la población maya; mientras que la segunda retrata una lucha legal y de desobediencia civil para recuperar las aguas del río de la tribu yaqui, uno de los muchos pueblos originarios representados entre la muestra, como el aymara, embera, guaraní, yagan, mapuche, maya o rapaNu, por mencionar algunos. “Voces de la Amazonía” (2015) dirigida por Margerie David, Lucile Alemany y Lamia Chraibi es un filme sobre la denuncia de los pueblos originarios del Ecuador sobre la explotación petrolera. 

“Nuevamente tuvimos que adaptarnos para llegar a nuestros públicos en formato gratuito y online en tiempos de confinamiento y pandemia, aun así, mantuvimos la esencia y los objetivos de fomentar el valor de las culturas originarias y el respeto hacia las mismas, promoviendo el acceso, la difusión, el uso de medios y aportando a la visualización de los audiovisuales sobre pueblos indígenas de América y del Mundo”, indicó Alicia Herrera, directora de la muestra, en una nota de prensa. 


FUENTE: Caio Ruvenal en Opinión

lunes, 28 de junio de 2021

BON SCOTT: costo social e individual de su éxito en AC DC

Nació en Escocia el 9 de julio de 1946. Bon Scott fue el segundo vocalista de la banda británica de hard rock AC-DC desde 1974, acuando conoció a los hermanos Malcom y August Young al manejar la furgoneta en la que los músicos llevaban sus instrumentos. Antes de esto Bon ya había integrado otras bandas como cantante.

Al año siguiente grabaron su primer disco que se publicó solo en Australia. Quizá su mejor trabajo fue Highway to hell (1979), que vendió un millón de copias. Se le introdujo en el salón de la fama del Rock and Roll en 2003, y en 2004 fue declarado como mejor líder de banda en una lista de 100 por la revista Rock Clásico de Inglaterra.

Por desgracia, Bon tenía problemas con la bebida, y fue esto lo que le condujo a la muerte el 19 de febrero de 1980. Un amigo lo dejó en su coche tras una noche de excesos y cuando lo hallaron se había broncoaspirado al vomitar estando inconsciente por el alcohol.

Se le auxilió de inmediato, pero el esfuerzo fue inútil: el certificado de defunción reza “intoxicación etílica” y “muerte accidental por broncoaspiración”.

La intoxicación etílica se produce al llegar a una concentración de alcohol de 3 a 5 g/L en sangre. El paciente está inconsciente, pierde los reflejos para calentar el cuerpo, por lo que la temperatura desciende, también la tensión arterial baja al igual que el azúcar en sangre y se produce paro respiratorio, lo que lleva a que el corazón se detenga también.

El coste social e individual, así como el efecto debilitante del alcoholismo es evidente, por lo que en la prevención deben primar la educación desde los primeros años de vida.

FUENTE: La Razón