Ken Hensley, teclista y uno de los compositores primordiales de Uriah Heep desde los comienzos del grupo y hasta 1980 ha fallecido a los 75 años el 4 de noviembre.
Hensley compuso y coescribrió canciones como “Lady in Black”, “Easy Livin’” , “Stealin’” , “Look at Yourself” o “Free Me”. Fue miembro de la banda desde el debut participando en los discos más míticos del grupo británico, como: ‘Salisbury’ , ‘Look at Yourself’ o ‘Demons and Wizards’.
El legendario músico Little Richard, que se proclamó así mismo el "arquitecto" del rock and roll y encarnó el lado más salvaje e impredecible de ese género, murió este sábado a los 87 años en Estados Unidos.
Su hijo, Danny Penniman, confirmó a la revista Rolling Stone el fallecimiento de su padre, pero no desveló cuál fue la causa.
Sin embargo, uno de los miembros de la banda de Little Richard, Charles Glenn, dijo al portal especializado en noticias de famosos TMZ que el artista llevaba dos meses enfermo y que había muerto en su casa en el estado de Tennessee, acompañado por su hermano, su hermana y su hijo.
En el pasado, Little Richard había sufrido un ataque al corazón, sufría una fuerte ciática y problemas degenerativos en la cadera.
El músico, cuyo nombre real era Richard Wayne Penniman, está considerado como uno de los fundadores del rock and roll, un papel que él mismo promocionó cuando hace años le dijo a la revista Playboy: "Solo hay un creador, solo hay un arquitecto: Little Richard".
UN ROCK AND ROLL SALVAJE Y CON MÁS ENERGÍA
Nacido en 1935 en Macon (Georgia), Little Richard fue uno de los primeros artistas afroamericanos de EE.UU. que supo combinar con éxito la música góspel y el "rythm and blues" (R&B), ambos genuinamente negros, con los sonidos "pop" del mercado blanco estadounidense.
El resultado fue un tipo nuevo de rock and roll, más salvaje, impredecible y con más energía, en la que Little Richard golpeaba el piano con fuerza mientras los gritos de su voz áspera daban forma a la melodía.
Fue el creador de auténticos himnos como "Good Golly, Miss Molly", "Long Tall Sally", "Rip It Up", "Lucille" y será para siempre recordado por su grito de guerra "A-wop-bop-a-loo-bop-a-wop-bam-boom", una de las líneas de "Tutti Frutti", su canción más famosa.
Tal y como ha explicado el historiador de la música Richie Unterberger a The New York Times, Little Richard jugó un papel crucial a la hora de "elevar el voltaje" del R&B para situarlo a la misma potencia del rock and roll.
Compartió generación con otros padres del rock como Chuck Berry, Fats Domino, Ray Charles y Jerry Lee Lewis y ejerció una gran influencia sobre otras estrellas de la época, como Elvis Presley que interpretó algunas de las canciones compuestas por Little Richard, como "Long Tall Sally".
UNA INFLUENCIA INCALCULABLE
Fue el primer artista afroamericano que sonó en las radios comerciales de EE.UU. y se enorgullecía de juntar en sus conciertos a blancos y negros, lo que violaba las leyes del sur del país que aún segregaban por razas, de acuerdo con la biografía del artista "The Life and Times of Little Richard" de Charles White.
"Siempre he pensado que el rock and roll traía a las dos razas juntas", dijo a White el cantante, quien popularizó el R&B entre los blancos de EE.UU.
Con más de 30 millones de discos vendidos en todo el mundo, su influencia se ha extendido a otros artistas tan importantes como Mick Jagger, Paul McCartney, James Brown, Otis Redding, Buddy Holly, David Bowie, Quincy Jones y Rod Stewart, algunos de los cuales han imitado su forma áspera de cantar.
Una vez Jimi Hendrix, que tocó con Little Richard a mediados de los años 60, reconoció que quería que su guitarra sonara como la voz del cantante; mientras que Paul McCartney, llegó a describir la voz de su ídolo como "algo salvaje, ronco y gritón, como una experiencia extracorporal".
UNA NUEVA ESTÉTICA SOBRE EL ESCENARIO
Su influencia estética también es incalculable. Desde el principio, rompió con la imagen de "macho" que dominaba en esos días el rock and roll y se materializó sobre los escenarios con los ojos pintados, maquillaje brillante y vestido con colores vivos, una apariencia que luego inspiraría al fallecido Prince.
Años después, en varias ocasiones, Little Richard bromeó diciendo que, si bien Elvis Presley era el "rey" del rock and roll, él era la "reina".
Durante los años, se describió a sí mismo como gay, bisexual y omnisexual, al mismo tiempo que reconoció que había explorado el voyerismo. Tuvo una relación complicada con la stripper Lee Angel y, posteriormente, estuvo casado brevemente con Ernestine Campbell.
La vida de Little Richard también estuvo marcada por problemas de abusos de drogas y una relación muy fuerte con la religión, que le llevó en varias ocasiones a retirarse temporalmente del mundo de la música.
Sus últimos trabajos de estudio fueron "Shake It All About" y "Little Richard Meets Masayoshi Takanaka", ambos en 1992.
Hoy cumplimos 5 años emitiendo radio “on line” desde este
blog con el propósito de difundir música
que habitualmente no encontrarás en las estaciones convencionales, especialmente
rock boliviano.
Esta iniciativa es una alternativa que se complementa con
nuestro canal de youtube que pronto cumplirá 14 años. PÚRPURA EN LÍNEA y
nuestra página en Facebook que persiguen similares objetvos.
Queremos agradecer a quienes nos siguen y ayudan a compartir
el trabajo de los músicos bolivianos y la música de nuestros amigos fuera de nuestras
fronteras.
De tan cierta y repetida, una frase se convirtió en meme: “Si usted piensa que el arte no es vital, imagínese pasar su cuarentena sin películas, libros ni música”. Y otra muestra de esa relevancia fundamental nos la dio El Papirri, nombre popular del cantautor paceño Manuel Monroy Chazarreta, quien el jueves nos regaló una guitarreada desde su casa y sitio de Facebook, una que ya tiene más de 18 mil visualizaciones de sus seguidores en el mundo.
Como gran antídoto para cualquier mal del alma, el artista derrochó casi una hora de las más conocidas canciones de su casi medio siglo de trayectoria y docena de discos grabados, rindiendo homenaje a las mujeres, a los campesinos y a su The Strongest querido, sin que haya faltado crítica a los poderosos y, por supuesto, su tan contagioso humor. Todo con voz, guitarra, celular “k’esti” y una amorosa compañera en el control de la transmisión.
En medio de aplausos imaginarios aunque notorios en la red, El Papirri inició su recital como la mayoría de ellos en vivo, con la tan sonora “Zamba geisha”, a la que siguieron las siempre frescas “Sacudite”, “Maribel”, “Alasita”, “Bien le cascaremos”, “Qué tal metal” y, por supuesto, ese hilarante himno recopilatorio del habla boliviana, “Metafísica popular”, tan pertinente para reírnos de nosotros mismos.
Y, entre las nuevas “metafísicas”, algunas que son tan síntomas de este extraño tiempo: “El futuro ya no es como antes”, “Cerrá la boca y comé”, “Si sale oscuro, clarito va a ser”, “Ese discurso está lleno de vacíos”, “-¿Y si sale positivo? –A ver, no seas negativo”, “Tanta calma me está estresando” y “Quédate en casa para salir de esto”. “Quédate en casa” se llama precisamente la más reciente obra de El Papirri y, como todas, transmite esperanza y revalorización de la solidaridad y la cotidianidad como fórmula para la vida misma.
Esa pieza cerró la presentación en la que el cantautor expresó asimismo preocupación por sus colegas, muchos de los cuales viven al día. En efecto, los músicos son parte del amplio sector cultural que, ya duramente golpeado por la crisis social de octubre y noviembre, vive en el desamparo e incertidumbre. En Cochabamba, sin ir lejos, se sabe de la situación muy precaria y al borde de la indigencia de varios creadores que con su trabajo aportaron justamente a que hoy no la pasemos tan mal.
Ya lo dijimos hace una semana al comentar otro recital desde casa: cuánta legitimidad ganaría el solo represivo régimen que padecemos en el Gobierno si, por ejemplo, el Estado compraría derechos de las obras de nuestros artistas para difusión masiva en medios públicos. De esa manera, por otro lado contribuirían a que muchos compatriotas se acerquen más al trabajo de quienes en verdad constituyen imaginario de país.
La radio, nació en Potosí Bolivia un 19 de marzo 2012 con la idea de llegar a todas las personas que buscan algo diferente, con un formato adulto contemporáneo, por ello también en la rotación musical se ha incluido la música boliviana rock y Pop Boliviano.
Rock in Rio es
el sexto álbum en directo de la banda inglesa IRON MAIDEN.
Fue realizado en Brasil durante el festival Rock in Rio.
Esta presentación se caracterizó por presentar seis temas de su entonces nuevo
disco Brave New World,
además de algunos de sus clásicos más destacados. Este disco es el segundo
disco (el primero en vivo) luego del retorno del vocalista Bruce Dickinson (en
reemplazo de Blaze Bayley) y del guitarrista Adrian Smith, que volvió
a la banda luego de su lejamiento en 1990. Esto resultó en elevar a tres
el número de guitarristas.
Hace algunos años en el documental realizado por la productora Eagle Vision “Classic Album The Dark Side Of The Moon”, el guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour, en retrospectiva reflexionaba “quisiera haber tenido el placer de haber escuchado por primera vez The Dark Side of The Moon” (TDSOTM) expresión que explica cuál fue el impacto y asombro en millones de mortales sobre la tierra al balancear la aguja en el surco y dieron pie a los primeros segundos de esta obra fundamental de la década del 70. El tótem fue editado el 24 de marzo de 1973 en Inglaterra por el sello “bizarro” Harvest de EMI (código SHVL 804, 1E 064 o 05249), vale decir, hace más de 40 años.
La obra realizada por una coincidencia creativa de “los elementos” que conformaron esa entidad química llamada Pink Floyd: Nicolás Mason (1945), Richard Wright (1945-2008), David Gilmour (1946) y Roger Waters (1944) sumados a estos los no menos talentosos Chris Thomas como productor y un brillante Alan Parsons como ingeniero de sonido (quien llego en el brazo con el currículo de haber apoyado en obras determinantes de Los Beatles), concibieron el innegable referente, en los míticos estudios EMI en Abbey Road (Londres-Inglaterra) durante 1972.
En el proceso de construcción del disco, la suite a manera de testeo, fue tocada en varios conciertos durante 1972 y donde ON THE RUN figura por su diferencia, consistente en una larga improvisación y que para consuelo de fans las grabaciones existen en varias ediciones disponibles tanto en formato físico y digital, legal e ilegal, estas ultimas desparramadas en la autopista informática.
Si bien, el LP (Long Play) al poco tiempo de salir a la luz solo llego al puesto Nro. 2 de las listas inglesas, este continuo su andar de manera ascendente, permaneciendo durante 15 años, es decir, 725 semanas continuas entre las 200 discos más vendidos en los charts norteamericanos, convirtiéndose en el icono rock de mayor permanencia en la historia de la música. En la promoción del disco y posterior a la misma, su interpretación era obligatoria llegando a reproducir la obra por lo menos 385 veces en vivo hasta 1975, dejándolo de hacerla hasta 20 años después por las tres cuartas partes de la banda, en la gira de presentación del disco Division Bell (1994-95) y por Waters en calidad de solista durante el año 2007.
Pink Floyd parece habernos dejado un legado, que ha entrado en una dinámica de revalorización continua, como demuestra las continuas re ediciones, incluido también en una serie de sufribles, económicamente hablando, y otros no tanto box sets, con nuevas mezclas, versiones alternativas que alimentan, ese consumismo criticado en el álbum y la contradictoria ávida demanda por el disco. Como evidencia lo anterior, el disco está sujeto a procesos de redescubrimiento casi perpetuo, acogido por nuevas generaciones alrededor del mundo, como demuestra en la actualidad la diversidad de versiones realizadas por bandas tributo y artistas de variadas orientaciones musicales.
A esto se agrega, otros matices que magnifican aún más su leyenda, como una estadística realizada a mediados de la década del 90 del pasado siglo, donde se comprobaba que de cada 5 ingleses, uno poseía una copia del TDSOTM en sus hogares, o como otras de carácter exquisito que son un añadido a su polifacético mito, como aquella, al iniciar la reproducción del CD de manera paralela al film El Mago de Oz (1939) de Victor Fleming, se evidencia una exacta sincronía con las escenas de dicha película, ¿coincidencias?. Y no olvidemos los detalles no menos relevantes al estilo “beatle” que se aprecia en algunas ediciones del disco donde al finalizar el lado 2, claro está en la versión en vinil, se escucha una breve pista “escondida”, solo audible a un muy alto volumen.
Pues bien, más allá de estos elementos que le otorgan un bonus de magia, la pregunta es: ¿Qué hace que una obra como el TDSOTM traspase las fronteras e idiomas y suene con frescura en la actualidad? Dicha interrogante parece difícil de responder, sin embargo, la connotación histórica en que fue desarrollada la obra es determinante para su consolidación, vale decir, la identificación de los individuos con la misma. Revisemos algunos eventos; iniciada la década del 70 la administración de Richard Nixon reprimía brutalmente a los estudiantes que se oponían a la intervención en Vietman dando la estocada final a los sueños hippies, por otra parte, en el mundo se consolidaba un mercado financiero especulativo que dio lugar más tarde a los denominados petrodólares, llenándose las billeteras de banqueros e inversionistas listos para empréstitos a consecuencia del alto precio del barril de petróleo y que de inmediato origino una elevación en la materia prima para la elaboración de discos de vinil, el petróleo.
En este contexto, la obra, hace una representación de las sociedades denominadas de primer mundo, aturdidas por la rutina, la locura, el consumismo, dinero y más dinero temas que martillean de manera rutilante todo el disco. No olvidemos, que este fue concebido como una cámara que fotografía “todas las presiones de la vida moderna que pueden llevarnos a la locura” (Gilmour). UN RETRATO DEL DISCO
La placa se inicia con un tenebroso latido de corazón, el estruendo de una máquina registradora y una perene risa maniaca que da paso a SPEAK TO ME, solo es el intro para el sutil BREATHE AND THE AIR que parece susurrarnos al oído y dar lugar al siniestro toque de ON THE RUN escenificada en pantalla gigante para los shows en vivo con un paciente transportado en camilla que recorre los pasillos de un sanatorio a toda velocidad, donde un hombre con la mirada exorbitada y fija sale disparado. En el firmamento azul y un amarillo tenue aparecen sorpresivamente decenas de relojes para dar lugar a TIME con el inicio cacofónico perfectamente empalmados. Dando lugar, apoteósicamente a los tambores atronadores de Mason pasando a escuchar a un Gilmour y Wright encandilados. En un guiño se retorna a BREATHE y se prepara suficiente aroma para impregnarnos con la canción más seductora sobre la muerte, THE GREAT GIG IN THE SKY una composición de Rick Wrigth y soñar con la magistral interpretación de Clare Torry para someternos a ese coro casi al ad infinitum que tanto nos estremece. Dando la vuelta el disco de vinil al lado 2 ingresamos a apreciar, MONEY y un contundente Dick Parry en el saxo mientras se hace una transición y la bienvenida a US AND THEM (una joyita descartada del sound track de película Zabriski Point, de Miguel Angelo Antonini), otra estocada de Wright con la intervención nuevamente de Parry en el saxo esta vez inversa a la de Money, casi murmurada. Se da pie al optimista ANY COLOR YOU LIKE e ingresa ECLIPSE y parecen hacerse presentes todos los fantasmas de Roger, es el tema que más se acerca al título original del disco y el corolario con el latido de corazón del inicio y la frase ya clásica “No existe un lado oscuro de la luna, de hecho, toda esta oscura”
EPILOGO
Algunos consideraran que la época más brillante de PF fue la psicodélica (bajo el liderazgo de Syd Barret) o aquellos que piensen que el posterior Wish you we here denote superioridad, sin embargo, más allá de estas u otras consideraciones, es indudable que TDSOTM marcó un antes y un después en la historia de la música contemporánea (técnica y estéticamente) y que los elementos que la constituyen siguen siendo un canon indeleble en cada generación que lo re descubre. Ya hace más de dos décadas y una madrugada que lo escuche por primera vez y hasta el momento de concluir estas líneas me es difícil describir con exactitud qué es lo que me fascina de este disco, lo que sí puedo decir con total seguridad es que llego para quedarse para siempre en la mente, el alma y los sentidos de millones alrededor de este mundo que observa casi taciturno el Lado Oscuro de la Luna. Fuente: https://www.facebook.com/huascar.cajias.1/posts/3141771979186895
Un 13 de marzo de 1963. Nace Fito Páez en Rosario, Argentina. Es un compositor, cantautor, y pianista argentino, además de cineasta y guionista, e integrante de la llamada Trova rosarina, y uno de los más importantes exponentes de rock argentino. Su obra musical está compuesta por 17 álbumes de estudio entre los que se incluyen La, la, la (con Luis Alberto Spinetta) y Enemigos íntimos (con Joaquín Sabina), cuatro álbumes en vivo y el maxi single Corazón clandestino (de 1986).
Un 13 de marzo de 2006. Blondie, Black Sabbath inducidos por Metallica y Miles Davis forman ya parte de la historia de la música, al ingresar por méritos propios al Salón de la Fama del Rock and Roll, en una gala en la que causa polémica Sex Pistols, dado que hace meses rechazó la invitación del Salón de la Fama de ser incluida en su nómina de homenajeados.
